L’indicibile spazio dove dipingere
Matilde Puleo
Testo in catalogo della mostra  “La misura delle cose”, a cura di Matilde Puleo (29 ottobre – 14 novembre 2021)

“La misura delle cose” non è solo il titolo di questa collezione di lavori realizzati tra il 2006 e il 2018,  presentati per la prima volta in questo libro, ma è anche espressione di un interesse continuativo che ha fatto parte di una progettualità tecnicamente ampia e articolata, che Marcello Bianchi ha poi coronato con l’ampia produzione in digitale. Questa collezione di lavori è dunque la testimonianza del suo modo di intendere la serialità e della coerenza e concentrazione con la quale rappresentare sempre lo stesso soggetto. In questo caso ciotole di materiali diversi, di vario formato e comunque contenitori.

Contenitori di quantità misurate. Recipienti di sostanze liquide messe alla bilancia, comunque senz’altro costituite da piccole “immersioni”: di pensieri forse, di modesta entità e quasi impercettibili. Immersioni invisibili che intrattengono scambi e relazioni di vicinanza con una parola nuova e al tempo stesso antica, come “immersività”.

Intanto perché questa è stata la modalità con la quale sono state create: come un taccuino, un appunto per un romanzo, un’idea che perseguita l’artista impedendogli di pensare ad altro; ma anche in nome dell’idea di “illusione” di cui è compagna. A quest’ultima si può associare allora la potenzialità immersiva dei social media e del mondo digitale, oggetto di un interesse e di una fascinazione tutta da sperimentare per un artista così attratto dalla materia e dalla carta.  All’abile incisore Marcello Bianchi infatti non sfuggiva che la pittura è da sempre considerata un medium immersivo. Sapeva perfettamente che l’immagine bidimensionale è in grado di incantare il fruitore in un’esperienza multisensoriale che “ammalia” l’ambiente circostante e l’osservatore stesso, al punto da convincerlo d’essere in un altrove. Sapeva che basta  accettare il gioco.

Questa esperienza incantatrice che si fonda ovviamente sul primato della vista, trova il modo di creare una sua sorgente d’immersività in questa selezione di opere,  circondando l’osservatore di immagini in grado di darci l’illusione (mimetica e non) che il nostro ambiente circostante sia altro da ciò che è.

C’è ancora un altro significato della parola che alcuni acquerelli sembrano dichiarare con convinzione: mi riferisco all’idea della trasparenza e di fluidificazione del mondo queste ciotole certificano. Se attribuiamo infatti all’immersività la caratteristica d’essere conseguenza dell’immediatezza, ciò potrebbe – lasciandoci ispirare dall’immagine della Realtà Virtuale – produrre anche in queste opere la classica sparizione del medium. Sparizione che, come sa chi ha fatto esperienze di RV con casco e guanto, donano al fruitore la sensazione di avere una percezione diretta e non mediata della realtà.

Senz’altro tutte queste flessioni di significato sarebbero state condivise dall’artista, tuttavia è facile  supporre che Marcello Bianchi avrebbe piuttosto fatto sua la celebre storiella raccontata da David Foster Wallace, nella quale due giovani pesci dopo aver incontrato un pesce anziano che li saluta dicendo loro “Salve ragazzi, com’è l’acqua?” si guardano l’un l’altro straniti, chiedendosi “che cosa è l’acqua?”. Avrebbe detto cioè che pur sapendo che questa trasparenza è una illusione, apparsa proprio nell’istante in cui il medium sembra sparire, questa è la dimensione alla quale ambiscono tutte le sue ciotoline.

Certamente non siamo di fronte ad un’esperienza di RV e Marcello avrebbe ragione; eppure ciò che queste immagini sono in grado di fare è di convincerci che l’immersività sia una sorta di “sommersione” del nostro apparato sensoriale nel mare di un tema (le ciotoline appunto) trattate dall’artista come un immenso schedario di possibilità. Un mare nel quale accade di vederci immersi senza sapere come sia accaduto. Un’immersione capitata senza accorgercene. Un luogo nel quale sentiamo che non c’è alcuna distanza tra il nostro quotidiano e quello raccontato da queste immagini. Luoghi della mente dove sperimentiamo l’esperienza del pesce che non vede l’acqua. Tuttavia, nel caso della collezione completa de “La misura delle cose”, e dunque in presenza delle ciotole elaborate con diversi media espressivi (fotografia, pixel, pittura, acquerello e pastello), il tipo d’esperienza immersiva sperimentata non ci dice che quella ciotolina è la figura oggetto della nostra attenzione, ma che è piuttosto lo sfondo all’interno del quale l’attenzione sceglie il proprio oggetto. Le scodelle cioè – siano esse contenitori in vetro, coccio o metallo – diventano elementi di una gestalt nella quale sfondo/figura sono continuamente messi in discussione. Sono stimoli per la mente e perfino oggetti di meditazione alla maniera di Giorgio Morandi. Penso che se glielo avessi raccontato così, il gioco l’avrebbe divertito, ma solo a patto di non fare semplici confronti con le molte istanze moderniste della sua pittura. Suppongo anzi che quello che gli sarebbe piaciuto, sarebbe stato piuttosto, il gioco verbale del “come se”. “Facciamo che queste ciotoline siano qui “come se” arrivassero da un altrove, da tempi a noi sconosciuti o da spazi a noi ignoti”. Dal catalogo che le contiene tutte, sarà proprio l’immersività del gioco e di questo “come se” a permetterci di scegliere di volta in volta una caratteristica, un particolare, un dettaglio minuscolo o semplicemente un passaggio del pennello sul quale concentrare tutta la nostra attenzione. A teatro del resto facciamo la stessa cosa, concentrandoci sulla voce dell’attore, sul modo col quale egli porta in scena il suo corpo, sul significato di ciò che dice o sul senso delle parole. Ognuno di questi elementi vuole, impone, pretende d’essere scelto. Solo a questa condizione si verifica la diversità delle ricezioni e dell’esperienza immersiva tipica del teatro.

Le ciotoline di Marcello Bianchi dunque, sono un richiamo all’attenzione. Un’attenzione che – come diceva Walter Benjamin – si realizza secondo due modalità e con due distinte tipologie di esperienze. Da un lato, abbiamo a che fare con l’attenzione che prova l’osservatore che davanti all’opera accetta e capisce come sprofondarsi in essa e dall’altra l’esperienza di chi al contrario, perde il contatto e fa sprofondare l’opera d’arte dentro di sé. La seconda attenzione è quella che Benjamin chiamava “attenzione senza sforzo”, ovvero quella modalità immersiva di coinvolgimento che si realizza al cinema o laddove l’opera richiede un impiego minimo di risorse cognitive. Non siamo noi ad entrare in quell’universo d’immagini ma è ciò che vediamo a invadere e catturare ogni nostro senso. Nell’esperienza proposta dall’arte figurativa bidimensionale e per di più statica invece, non solo si verifica la prima modalità, ma riceviamo anche un prezioso suggerimento. Quasi una confidenza che orecchie attente sanno riconoscere. Una confidenza sussurrata che spesso ci chiede di fare attenzione al “tra” delle cose. Al “fra” che esiste nel binomio sfondo/ciotola e al “fra” della zona impalpabile dentro la quale si realizza la nostra immersione. Un luogo da intendersi come spazio verbale. Uno spazio più facile da definire a parole, anche perché spesso manca di sicurezze e dunque sembra fatto di domande aperte. Spazio che a pensarci bene, richiama alla mente il laboratorio di Marcello. Lo spazio dell’artista. Quello studio – visitato da molte persone in questi ultimi due anni dalla sua scomparsa – ricavato nelle cantine di una casa di campagna gremito di oggetti. Un atelier che si presenta al nostro sguardo come un insieme di spazi interstiziali. Uno studio fatto di mille “tra”  apparentemente inessenziali, dentro i quali si infiltra ancora la vita, integrandosi e impastandosi con gli occhi di chi vi entra. Un “tra” che dunque è pure facilmente rintracciabile nella sua pittura, piena di intromissioni ed erranze sempre capaci di un certo autocontrollo. Erranze del segno e segni sempre calibrati, attenti – misurati si direbbe – e rispettosi delle capacità contenitive della sua ciotola originaria, quella personale. Intrusioni di materie e di spessori all’interno di paste a volte impalpabili che sembrano avere lo scopo di conservare, misurare il dire, preservare il mistero delle cose. Cose semplicissime come le ciotole che poi perdiamo di vista o non sappiamo più distinguerle. Non è difficile che in quelle digitali ci si trovi a chiedersi: – “E’ una ciotola quella, oppure uno spazio di parole, pensieri, sogni, ambizioni inespresse? E’ il corrispettivo espresso in pixel della sua evidente competenza in tutti i processi dell’incisione e della stampa, luogo della cura maniacale del torchio, territorio d’appunti… o questa è zona di mormorii incessanti?” Nemmeno il media più “oggettivo” ci viene in soccorso. Le fotografie di Marcello Bianchi cioè, sono così lontane dalle certezze che potremmo perfino chiamarle “insinuazioni”. Queste immagini fotografate non certificano; al massimo suggeriscono. Non impongono alcuna idea di verità.

Sono curvature della luce catturate dalla macchina fotografica per evocare anziché indicare. Per lasciar intravedere l’intrecciarsi inesausto della vita. Lo stesso che nelle nostre chiacchierate sull’arte ci portava a un certo punto a parlare dell’amico, artista e fotografo Mario Leone e delle sue sperimentazioni tra poesia, illustrazione e fotografia negli anni Settanta/Ottanta ad Arezzo. Maestro di sensibilità verso tutto ciò che è impalpabile, è possibile pensare che si debba a quest’ultimo la vocazione di Marcello per la carta, quella cioè che negli acquerelli e nelle tempere è il centro dell’attenzione, il fulcro dell’interesse.

Il supporto di carta che non ammette errori e ripensamenti, rende lapidario il suo segno, arricchito semmai da forti contorni a carboncino che sottolineano l’acquosità della materia. L’arcaicità di questo mondo nascosto allora, esattamente come era già successo nel contesto culturale aretino che si ritrovava a casa di Mario Leone, anche qui in questo suo studio di campagna o rifugio creativo, potrebbe forse essere risvegliata dal jazz dei suoi dischi, da un’altra sigaretta o dall’affettuosa carezza di un gatto di passaggio. Elementi dentro i quali Marcello era immerso. I dipinti come dicevo, richiamano i ruderi di una lunga discussione: sono frammenti di parole pensate (misurate e calibrate anche queste), raramente espresse a voce – a volte presenti nei titoli segnati accanto che, come quello che dà il nome a questa presentazione, ci raccontano l’esigenza concettuale dell’artista. Sono parole presenti che si pongono come materiale di un processo continuo di interrogazione sul presente. Un’interrogazione che dovrà però essere contenuta nella quantità, misurata nella forma, sostenuta e accettata dalla nostra ciotola mentale. Sono le parole che vivono nella misura “tra” un lungo discorso e l’altro; laddove ciò che si mostra non sta nel pigmento o nell’oggetto quanto nello spazio. In quello spazio che per un artista come il Bianchi è semplicemente il luogo dove appoggiarci una ciotola mentre noi – ormai intrappolati – al massimo, parliamo di indicibile.